В последние годы мы наблюдаем активную трансформацию художественных форм, творческие поиски новых жанров и взаимодействие современных художников с классическими полотнами. Российские галереи регулярно поддерживают молодые таланты и знакомят зрителя с другой стороной искусства, предлагая уникальный опыт. Например, в феврале в столице открылись две выставки: «Плюс-минус» в галерее М2 и «Нескромное обаяние» в ГУМ-Red-Line, совмещающие изобразительную и популярную культуру, современное и классическое искусство.
Их куратором стала Ан Кубанова — основательница просветительской программы для молодых художников «Азы» и выпускница «Свободных мастерских» ММОМА. Мы поговорили с Ан о роли куратора в творческом процессе, отношении зрителя к современному искусству и участии в международных проектах.
Давайте поразмышляем над тем, кто такой куратор вообще? Связующее звено между художником и миром? Наставник? Человек, за которым остается решающее слово?
Для краткости я предпочту процитировать крупнейшего русского куратора Виктора Мизиано: «Конечной целью кураторских проектов является порождение новых форм [художественной] жизни». На первый взгляд, звучит неопределенно, но именно эти подвижность, неотчетливость и многогранность способны передать суть кураторской деятельности.
Почему вы выбрали именно эту профессию, а не просто продолжили заниматься дизайном после учебы? Как пришли к этому решению?
Я довольно рано проявила интерес к искусству, факультет дизайна оказался ближайшей из известных мне точек к нему. По мере поступления информации и открывающихся возможностей, пожелания к будущему занятию уточнялись, и кураторское дело точно совпало с моим представлением об идеальной профессии. Я получила дополнительное образование при Московском музее современного искусства и начала осваиваться в новой роли.
Что входит в ваши обязанности? Чем обычно наполнен ваш день?
Говоря о профессиональной рутине куратора, хочется подтвердить сравнение нематериального труда философом Паоло Вирно с «виртуозным исполнением (без определенного произведения)». Таким образом, процесс становится равен результату. Действительно, кураторская практика может принимать самую разную форму: от переписок, монтажей и работы с текстом до фланирования по вернисажам, коротких разговоров и пролистывания книжек.
Как вы находите героев для выставок? Где видите единомышленников?
По умолчанию я считаю единомышленниками всех, кто занимается современным искусством. У нас могут быть разные взгляды на частные вопросы, однако, хочется верить, что мы все работаем для процветания общества и его искусства, и эта невидимая поддержка ежедневно служит огромным вдохновением. Даже по количеству имен и цитат в этом интервью заметна постоянная умозрительная связь с коллегами. Я знаю, что тружусь не одна.
Чем вы занимаетесь помимо кураторства? Какие профессиональные планы у вас на ближайшее будущее?
Я продолжаю сотрудничество с галерей M2, и хочу выразить благодарность ее владелице Анастасии Локтаевой. В конце марта читаю лекцию о краткой истории выставок в школе Masters. В апреле со-курирую персональную выставку Светы Холиси в галерее Set Projects с директором галереи Анной Брынцаловой. Предварительно приглашена несколькими авторами к курированию их персональных проектов поздней весной.
Просветительская программа для молодых художников «Азы»: чем занимаются ее участники и зачем было создавать проект вообще? Кто ваши эксперты, спикеры? Создавали ли вы совместные проекты с вашими учениками?
«Азы» — это результат пожеланий молодых художников сложившейся системе образования. Я проанализировала разные школы современного искусства, разработала тестовую программу с привлечением сотрудников музеев и галерей, кураторов и художников и опробовала ее в течение года. На основе полученного результата сейчас мы готовимся к перезапуску проекта в новом статусе.
С какими странами вы сотрудничаете, создаете совместные проекты? Как взаимодействуют российские художники и зарубежные?
В прошлом году я сотрудничала с израильскими проектами: выступала со-куратором резиденции NII SREDA × Kakdelart, консультировала открытие нового арт-пространства SVIVA и приезжала для сбора материалов к выставке, которая, к сожалению, не состоялась. Куратору важно стараться расслышать каждого автора. В таком случае невозможно позволить себе конструировать новые национальные стереотипы или поддерживать существующие. Более важную роль играет личный жизненный и профессиональный опыт.
Должен ли художник оставаться голодным? В наше время молодым творцам трудно заявить о себе. Как художнику выйти на большой рынок, обрести финансовую стабильность, создать образ современного художника как бренда?
Художник — это в каком-то смысле синдром, и легенда про голод существует лишь потому, что автор не может отказаться от искусства даже в сложные времена. Однако, очевидно, что финансовые ресурсы крайне необходимы для развития культуры. В России существует некрупная, но не лишенная качества система искусства, возможности которой стоит активно использовать. Для молодых авторов наиболее простой точкой входа на рынок может стать open call. Их проводят галереи, маркеты и секции независимых авторов на ярмарках.
Стратегия развития художника как бренда оформилась благодаря Энди Уорхолу. Он в значительной степени повлиял на закрепление за современным художником статуса суперзвезды. Это привело к использованию в искусстве инструментов маркетинга и рекламы, которыми конструируют образы массовой культуры. Подобный процесс иллюстрирует персональная выставка Романа Резницкого «Нескромное обаяние» в Gum Red line.
Выставка «Плюс-минус» посвящена сравнению классического и современного искусства. А что сегодня больше предпочитает зритель? Обращается чаще к классике или все же настроен на новые виды искусства?
Широкий российский зритель воспитывается преимущественно на образцах классического искусства, и привычка его видеть часто подменяет личный вкус. Противопоставлению классики и современности во многом способствует пробел общего образования по отношению к искусству XX века. Его заполнение позволило бы зрителю восстановить закономерность идей и событий и плавно прийти к произведениям современных авторов. Однако, к сожалению, в России редко появляется возможность увидеть лучшие произведения модернистского и постмодернистского искусства. Иными словами, отсутствие доступной альтернативы для широкого зрителя не позволяет ему совершить выбор.
Хочется поделиться, поддерживая эту идею, что на открытии выставки «Плюс-минус» в галерее M2 коллекционером, который собирал только классику, была впервые куплена работа современного автора. Этот момент был трогательным для всех нас.
Некоторые философы утверждают, что современного искусства вообще не существует. А каким его видите вы? Что такое современное искусство? Какие тенденции в искусстве сегодня набирают популярность?
При должной внимательности становится очевидным факт, что современный художник не только не противопоставляет себя времени и обществу, но и является их неотъемлемой частью — автор разделяет ту же реальность, что и его зритель. Мастерство художника в таком случае заключается в том, чтобы расслышать, что вертится у общества на уме. Современное искусство часто называют запутанным, некрасивым, грубым, но не кажется ли, что это и есть неотъемлемые характеристики мира, который мы знаем? Когда мы сталкиваемся с современным искусством, мы сталкиваемся с синтезом окружающей действительности.
В последнее время я все чаще замечаю признаки закрепления метамодернисткой парадигмы. Это позволяет с интересом относиться к глобальной турбулентности. Идеи, оформленные философом Тимотеусом Вермюленом и теоретиком Робином ван ден Аккером, уже заметны в европейском и американском искусстве. Полагаю, все чаще они будут встречаться и в России. Разговаривая с молодыми авторами, я вижу, что они прямо или косвенно осмысляют смену эпох.
Назовите три молодых художника, за которыми сегодня стоит наблюдать.
Ляйсан Азаматова из Челябинска, Алтана Аюшиева из Бурятии и Екатерина Рубцова из Москвы.
Читайте также:
