Свет как высшее состояние, как внутреннее переживание, как вход в иную реальность — именно он стал центральным образом выставки «Вход», которая открылась 22 апреля в галерее М2. Автор проекта — художница, куратор и основательница галереи Анастасия Локтаева — работает на стыке йогических практик, живописи и медитации. Её техника — ритмичные спиралевидные мазки пастелью — помогает отключить рациональное мышление и позволяет телу «говорить» языком света.
Экспозиция построена как внутренняя мандала — путь, ведущий к единству противоположностей и к состоянию безвременья. По словам художницы, реальность теряет актуальность, а на первый план выходит переживание. В интервью NOW Анастасия рассказывает о личных трансцендентных опытах, роли света в мифологии и о том, зачем галерея сегодня должна быть больше, чем просто выставочное пространство.
— Анастасия, расскажите, как родилась идея выставки «Вход»? Что стало отправной точкой — эмоция, наблюдение, состояние?
— Я давно занимаюсь изучением религий, мировоззрений, мифологий прошлого — постепенно изучаю историю по мере ее развития и в рамках моих интересов. Индия давно вызывала во мне большое любопытство, потому что там существует большое количество различных религиозных течений и разных мнений насчет их практик. Индия удивительное место — там до сих пор пользуются теми же ритуалами, техниками, молитвами, что и во времена их создателей. Ничего не поменялось. Она духовно существует как будто вне времени.
— Вы называете свою технику чем-то вроде «йоги кисти» — это красивая метафора. А с чего начинается ваш рабочий процесс? Он всегда медитативный, или бывают импульсивные моменты?
— Многие мифологии всегда по-разному описывают некое трансцендентальное состояние или вход в него, но единым для всех представлением остается свет или некое свечение. Вообще такие входы обычно не поддаются описанию словами или живописью — их, как говорится во множестве источников, можно лишь почувствовать. Слова или живопись могут лишь дать намек.
В своей практике я моделирую некоторый йогические техники и использую их в живописи. Моя техника заключается в нанесении спиралевидных линий с последующей растушевкой (тоже по спирали). Это ритмично повторяющееся движение — что-то вроде асан рукой, где нет места фиксации на себе, но есть движение руки и доверие своему телу, которое призвано усилить концентрацию на изображении без включения анализа. Я выбираю световое движение по воздушному пространству, концентрируя на нем свое внимание, и перевожу его на холст. При длительной концентрации на реальном изображении, реальность утрачивает свою актуальность, и в сознании возникает лишь одно изображение, которое отражает, скорее, некое ментальное состояние, чем реальное воздушное пространство.
— На выставке «Вход» важную роль играет тема света. Почему именно этот образ стал фокусом внимания? И как он раскрывается в вашей живописи? Какая работа с выставки «Вход» вам ближе всего — как художнице? С какой вы, возможно, прожили самый сильный внутренний опыт?
— Одна серия работ художника часто выражает некий путь, по которому идет автор. Это напоминает текст, где есть начало, развитие и конец или, скорее, троеточие. Часто работая, будучи погруженной в процесс, находясь «на сцене» своего творчества, художник не всегда может понять, что с ним происходит. И только закончив этот этап, приходит понимание и некое сообщение. Все мои работы обозначены лишь цифрами, и только одна, последняя, носит название — оно пришло на ум, как только я дописала работу — «Уроборос».
— Галерея М2 стала за последние два года важной точкой притяжения для новой художественной сцены Москвы. Как вы определяете ее миссию сегодня?
— Мы много внимания уделяем нашей лекционной деятельности, связанной не только с искусством, но и с другими предметами. Для меня важно развитие не только в одном направлении, но и в совершенно разных, так как такое развитие позволяет лучше чувствовать и понимать то же искусство. Знать, как называется работа или ее автор, и понимать о чем она, чем вдохновлена, или, может, пойти еще дальше и переосмыслить работу по-своему — все это мне кажется интересным.
— Прошлый проект «Прошлого голоски» говорил о мистическом мышлении и архетипах. Как он родился — и почему для вас было важно вернуть в пространство выставки темы сна, памяти, предков?
— Мне кажется, есть вечные темы и есть приходящие, есть моменты, которые остаются в памяти как воспоминания, а есть те, что теряются там, но продолжают существовать независимо от воли человека. Мне нравится своего рода археология, когда надо чуть раздвинуть свои границы, искать себя в искусстве, книгах, прошлом. Мы все время учимся, все время ищем себя, часто не понимая своего фундамента. Во многом мы сейчас живем настоящим моментом, нас заботит то, что происходит сейчас или будет происходить, для нас не имеет значение прошлое, потому что оно уже прошло. Мне кажется, важно помнить о тех основах, на которых строятся наши современные мнения, знать цепочку изменений некоторых понятий.
— Как вы подбираете художников для групповых проектов? Что для вас важнее — индивидуальный стиль или общее философское поле?
— Оба аспекта важны при выборе художников, часто и индивидуальность автора играет большую роль. Мне интересны глубокие, неоднозначные авторы, которые затрагивают «сложные» вопросы, которые ищут ответы, которые думают больше, чем творят.
— Вы не только куратор, но и художник. Меняется ли восприятие искусства, когда вы переходите в роль организатора?
— Художнику находясь в процессе творчества сложно анализировать себя, сложно обозреть все в полноте — для этого нужно время. Куратор в этом плане видит некоторые вещи более полно, особенно если он или она разбирается в теме, с которой работает художник. Я, в свою очередь, курирую только те выставки, темы которых входят в мою сферу интересов, и где я действительно могу что-то предложить зрителю.
— M2 активно развивает публичную программу — лекции, дискуссии, встречи. Почему для вас это важно? Что, на ваш взгляд, нужно современной аудитории от галереи сегодня?
— Мне кажется, что функциональность галереи где-то вышла за пределы экспонирования и стала включать в себя другие дисциплины. Мне хотелось сделать пространство, которое включает в себя не только передачу некого сообщения через художника или куратора, а в дополнение еще и место дискуссий, мнений, размышлений, предложений и (в моих мечтах) действий. Когда человек, приняв что-то новое, не просто забыл, а применил это знание в жизни.
— В вашем фокусе — поддержка молодых авторов, формирование новых привычек коллекционирования. Как вы считаете, что сегодня мешает развитию института коллекционера в России?
— Для меня важно поддерживать художников, давать им возможность высказаться через свое искусство. Искусство иногда относят к необязательным дисциплинам, то есть к тем предметам, без которых может прожить человек. Совершенно забывая о том, что именно искусству мы обязаны всем датировкам прошлого. Сейчас искусство показывается как достояние той или иной страны, являя собой национальную гордость. Подчеркивая значимость искусства, показывая его, говоря о нем со сверстниками, детьми, родителями, популяризируя, может быть, мы сможем добиться более высокого интереса к нему. Это касается, в том числе, посещения выставок и популяризации коллекционирования.
— Что такое «вход» в искусство для вас самой? Это момент, жест, состояние — или что-то большее?
Для меня это желанное состояние — находящееся рядом или, наоборот, вдали — где именно, нам покажет время!
Читайте также:
