Анна Карганова, куратор V Триеннале текстильного искусства и гобелена.
— Почему триеннале и что это вообще такое?
— Появление триеннале в 2011 году было вызвано желанием простимулировать развитие искусства художественного текстиля в России. Тогда она стала самым масштабным в нашей стране конкурсом работ, выполненных в технике ручного ткачества, и сохраняет этот статус до сих пор. «Триеннале» означает, что музей проводит конкурс раз в три года. Такие временные рамки обусловлены тем, что работу в технике классического шпалерного ткачества делать достаточно долго. Каждая наша триеннале имеет тему. В этом году она звучит как «Многообразие связей. Нити, разрывы, соединения».
— Почему текстильное искусство в Царицыно?
— Текстильное искусство занимает важное место в выставочной и исследовательской деятельности музея-заповедника Царицыно. Это напрямую связано с уникальной коллекцией гобеленов, хранящейся в его фондах. Собрание музея охватывает период от XVIII до XXI вв. в том числе представляет работы ведущих мастеров бывших союзных республик СССР.
— В чем суть этого конкурса и что посетители получат от опыта знакомства с этим искусством?
— Конкурс проходит в четырех номинациях: лучшая работа, выполненная в традиционной технике гобелена, лучший арт-объект в интерьере, лучший арт-объект в парке, лучшая студенческая работа. Мы стремимся продолжить традицию поиска, выявления и представления актуальных и инновационных особенностей текстильного искусства. Посетители увидят, как традиционные техники, такие как ткачество, вышивка или текстильный коллаж, находят новое художественное прочтение сегодня. Работы на триеннале раскрывают темы идентичности, индивидуальности, связи с традициями, связи с природой и еще множество других аспектов многогранного понятия «связь».
— Как отбирались внеконкурсные работы?
— Внеконкурсная программа V Триеннале состоит из трех частей: выставки «Нити: метод или образ», проекта «Микро. Точка пересечения» Гильдии Текстильщиков Санкт-Петербурга и сайт-специфик работы Ольги Киселевой «Сеть, в которой мы живем». Каждая часть является кураторским комментарием к тем процессам, которые происходят в мире современного художественного текстиля. Выставке отведено два зала, объединяющих шесть небольших тематических разделов. Они устроены по контрастному принципу. Отправной точкой в их формировании стали гобелены, исполненные в технике гладкого ткачества. Выставка стала с одной стороны переаранжировкой работ хорошо известных художников, с другой — представлением новых имен. Ее задача показать полифоничность, противоречивость и полемичность наших представлений о текстильном искусстве.
— Как связано текстильное искусство с арт-работами в парке?
— Создание произведения для пространства парка предполагало инновационный подход к гобелену — как к объекту ландшафтного искусства. Парк Царицына — пейзажный парк. Художникам, предложившим произведения для открытых пространств, необходимо было прочувствовать его ансамбль и создать объект, который будет выдерживать значительный масштаб его территории. В этом разделе художники своеобразно решают проблему перетекания внешнего пространства парка во внутреннее пространство работы, а зрителю предложена роль не пассивного наблюдателя, а активного участника созданной художником ситуации.
— Текстильное искусство это про моду?
— Текстильное искусство и мода пересекаются, но это разные области. Текстильное искусство — это форма визуального и декоративного искусства. Это могут быть гобелены, ковры, текстильные скульптуры и инсталляции. Главным является художественное высказывание. Хотя в высокой моде тоже используются сложные художественные подходы, ее цель — одевать человека и формировать визуальный код эпохи. Это в первую очередь про одежду, стиль и тенденции.
— Насколько это прикладное искусство? Для чего оно создано?
— Изначально — полностью. Традиционно гобелены использовались для украшения интерьеров, для тепла, или чтобы подчеркнуть статус владельца. Но уже начиная с XX века, текстиль постепенно стал выходить за рамки утилитарности. На нашей выставке текстиль показан в совершенно новых, неожиданных ракурсах. Благодаря работам художников он превратился в выразительный и живой язык.
Юлия Наполова, архитектор экспозиции, основательница бюро PSCulture
— В чем состоит концепция застройки и как появилась идея для оформления выставки?
— Основа концепции, заданной куратором — это «Многообразие связей». Проект посвящен взаимосвязям, сплетениям в любой их интерпретации. Мы, архитекторы, восприняли тему буквально, а кроме того получили забавное пожелание пожелание от заказчиков — Музея-заповедника «Царицыно» — сделать выставку без стен. Отсюда родилась идея создать легкие конструкции, переплетающиеся друг с другом и создающие различные зоны для восприятия и взаимодействия с объектами.
— Проект про связи. А как связаны архитектура и экспонируемые объекты?
— Идея архитектурного решения навеяна творчеством знаменитой художницы по текстилю Гунты Штельцль. Я часто обращаюсь к истории и опыту «великих женщин» — Музей фабрики-кухни в Самаре, филиал Третьяковской галереи, здание которой спроектировала первая советская женщина-архитектор Екатерина Максимова, а мы создали экспозицию в прошлом году, отличный пример. Гунта Штельцль тоже была первой — она создала ткацкую мастерскую в школе Баухаус и совершила настоящую революцию в текстильном искусстве. Она мечтала учиться архитектуре у Вальтера Гропиуса, но поступив в Баухаус была переведена на «женское» направление, то есть в текстильную мастерскую. Однако именно там она смогла реализовать все свои идеи. Текстиль для нее стал иным медиа, выражающим архитектуру. Эта история меня безумно вдохновила, и идея для застройки родилась сама собой.
— Важна ли для вас символика цвета? Не мешает ли цвет архитектурных элементов знакомству с объектами, не перетягивает на себя внимание?
— Я очень люблю цвет. Мне кажется, что цвет и краски в искусстве, в архитектуре — отражение красок жизни, ее яркости. Большинство архитекторов традиционно предпочитают все оттенки серого: от черного к белому. Мне нравится делать более сложные и эмоциональные решения.
Триенале концептуально делится на два тематических блока: работы конкурсной и внеконкурсной программы. В экспозиции каждую часть определяет свой цвет, а именно синий и красный — основные цвета баухауса и авангарда. И если Баухаус больше ассоциируется с синим, то красный традиционно близок к русскому.
— Кажется ли вам, что архитектура может помочь сделать работы малоизвестных авторов более заметными, запоминающимися для зрителя?
— Способы экспонирования и созданный дизайн могут как подчеркнуть, так и «убить» сами предметы. Интересный пример — работа Рене Магритта, состоящая из 5 картин, вместе собирающихся в женскую фигуру. В музее работы экспонированы в рамках стандартной застройки, выделены блоком. Но есть и фотография друга художника, установившего однажды произведение в обычной ванной комнате с развешанным бельем. Резко меняется все — восприятие, идея, посыл. Поэтому зачастую то, как экспонированы произведение, принципиально важно для его прочтения. Архитектура и художественное решение во многом определяют, что поймет, увидит, почувствует зритель, на что обратит внимание.
— Каких правил вы придерживались при застройке?
— Правила у любого архитектора только одни, они же — триада Витрувия: польза, прочность, красота. Пользой являются функционал застройки, ее «работа», грамотное формирование маршрутов, подбор материалов, отвечающих задачам (как визуальным, так и функциональным), экономичность, рентабельность и прочее. Прочность сейчас все же заменяется на экологичность, потому что временная экспозиционная архитектура, конечно, не всегда экологична. Мне хотелось бы в целом поднять этот вопрос с коллегами, он кажется мне сегодня крайне важным для переосмысления. Срок выставки не сравним со сроком службы интерьера, поэтому нам стоит задуматься, какую дальнейшую жизнь могут иметь временные экспозиционные конструкции. Однако экологичность не должна приносить в жертву красоту, ведь выставки и правда должны быть очень красивыми и зрелищными — это основной запрос как заказчика, так и зрителя. А еще выставка — это не только досуг, но и образование, а значит необходимо делать их умными, подчеркивать дизайном образовательную, нарративную составляющую.
— Что было самое сложное в архитектуре?
— Самое сложное в архитектуре это создать решение, которое объединяет очень разные по форме, художественному качеству, материалам, цвету вещи. Триеннале это конкурс, смотр работ, то есть объекты очень разные, и мы до конца не знали, как будет выглядеть финальный состав произведений (и как в целом будет выглядеть каждая работа), которые представят художники. У этих объектов нет задачи сочетаться между собой — это становится нашей задачей. Художник лишь говорят на одну тему, вокруг которой мы и работаем, стремясь создать визуально гармоничное пространство — это действительно сложно.
— Почему надо идти на эту выставку?
— Чтобы увидеть новое воплощение традиционных медиа. V Триеннале так по-разному, умно и элегантно показывает текстильное искусство. Одновременно это искусство очень дерзкое, оно очень экспрессивно, наглядно и при этом метафорично отражает художественные идеи. Легкость, элегантность, яркость и интеллигентность произведений вдохновили нас на создание именно такой архитектуры для их обрамления. Текстиль это важное новое медиа для художественного высказывания — это действительно необходимо увидеть.
Читайте также:
