10 сентября галерея современного искусства a—s—t—r—a представила вторую персональную выставку молодого художника Артура Кривошеина, выпускника МГТУ им. Баумана и «Свободных мастерских» ММОМА, знакомого многим по нескольким выпускам ярмарки blazar и участию вмногочисленных коллективных выставках. В рамках выставки были представлены работы новой арт-группы «2КМ» — дуэта молодых художников Артура Кривошеина и Влада Мальцева.
Мы поговорили с Артуром Кривошеиным о прошедшей выставке, роли искусственного интеллекта в искусстве, сюрреализме, а также о том, как художнику сохранить уникальность в современном мире.
— Ваши работы на выставке «Перепутанные праздники» обращаются к цифровой реальности и изменению ценностей в современном мире. Как вы видите роль искусства в таком контексте, где искусственный интеллект и digital-пространство все больше влияют на общество?
— Я считаю, что диджитал-пространство в наше время — это своего рода наркотик, который помогает современному человеку деградировать. Не все люди контролируют количество часов, проведенных в сети. Порой человеку нужно поднять голову, осмотреться, отвлечься от бесконечного потока новостей, заняться собой, не подсматривая за чужой «успешной» жизнью, начать читать литературу, послушать классику и так далее. В этот момент человек рано или поздно обращается к искусству, как к константе, кто-то захочет притронуться к нему, а кто-то даже заняться самим творчеством. Так вот здесь искусство является таким жирным зеленым флажком к выздоровлению. Такую роль искусство играло всегда, что-то вроде ступени, перехода в новую, более качественную жизнь, я считаю, будь то XVllll или ХXl века. А мое мнение по поводу ИИ — он еще не изобретен человеком, то, что сейчас называют искусственным интеллектом – это алгоритмы, огромная база данных, которой сейчас так умело пользуются крупные корпорации, настраивая программы под наши интересы.
— Вы упоминаете сюрреалистический автоматизм и создание без эскиза. Как вы приходите к финальной точке работы, если начальный процесс начинается с бессознательного? Бывают ли моменты, когда вы намеренно вмешиваетесь в этот автоматизм?
— Да, конечно, в определенный момент я начинаю продумывать работу детально, то есть моя работа над созданием холста делится на две части. Первое время я работал с эскизом, но в процессе понял, что от первоначального наброска на бумаге не остается ничего и близко похожего, поэтому решил сразу начинать с холста, наслоениями приходить к нужному результату. На начальном этапе в ход идет все, что попадется под руку, формы и цвета не контролируемы мной, одним словом — хаос, но хаос проще подчинить себе, чем пустоту.
— Названия ваших работ, такие как «Откровенное деление изнанки» или «Жонглируя многоточием», сами по себе звучат как поэтические фразы. Как вы выбираете названия для своих произведений? Это часть процесса создания, или они приходят позже, когда работа завершена?
— Бывает, название приходит мне в голову заранее, я просто записываю его в заметки и применяю к работам, которым не нужен сюжет — они автономны, и их можно почувствовать по-своему. Я же даю ему только имя, а дальше произведение растет без меня. Но большинство картин я воспитываю лично, вижу их судьбу в процессе, направляю и уже после отпускаю, рассказав о них в самом названии. И те, и другие мои полотна одинаково хороши собой, просто «воспитаны» по-разному, отличаются характерами и настроениями.
— Вы используете интересные материалы — старые книги, фотографии, редкие краски. Какова их роль в вашем творчестве? Влияют ли они на содержание и смысл работы, или это больше про визуальный эффект и текстуру?
— Роль такого подхода очень проста — не повторяться, постоянно экспериментировать, не возвращаться к тому, с чем ты «наработался», каждая картина — это период из жизни, каждый ее элемент — почерк времени, на холсте может соединиться страница из парижского путеводителя 1921 года вместе с советской печатной бумагой 1980-х годов, акрил на оберточной крафтовой бумаге со следами масла — такой союз материалов рождает новое, визуально и текстурно обновившийся материал, который очень трудно повторить нарочно.
Например, сейчас я пишу на холсте, пропитанным каким-то маслом, я покупаю его у пожилой женщины из Москвы, акрил постоянно скатывается на нем, и мне довольно трудно прогрунтовать его, нанести подложку, но это рождает новый оттенок, неподконтрольный мазок, а впоследствии и форму. Ясно, что материал с таким «изъяном» не вечен, и рано или поздно он закончится у продавца, вследствие чего данная серия работ прекратится, и я перейду к чему-то новому с наработанным мной опытом.
— В вашей арт-группе «2КМ» с Владом Мальцевым вы соединили абстракционизм и фигуративное искусство. Как вы взаимодействуете в процессе создания совместных работ? Есть ли в группе разделение ролей или каждый свободно вносит свои элементы?
— Кто-то из нас делает промежуточный слой на холсте, и мы начинаем искать в нем элементы, которые можем вытащить на другой слой для последующего построения композиции. Самое главное — не перетянуть всю картину в чью-то конкретную стилистику. У нас отличное интуитивное чувство цвета, и мы не мешаем друг другу использовать разные стилистические приемы. В общем да, свободный, достаточно джентльменский подход к работе.
— Серия «2КМ» была создана на даче, вдали от городского шума и digital-пространства. Как этот контекст и природа повлияли на ваше творчество? Можете ли вы сказать, что работа в таком окружении изменила ваше восприятие реальности?
— Работу вдали от городской суеты мы рассматривали как временную смену декораций, проникшись атмосферой того места, мы играли роль, как актеры в театре, отражали загородную среду в своих полотнах. Вполне возможно, что наши следующие проекты будут сделаны именно в городской суете, так как мы переехали в город. Увидим в ближайшее время.
— Как вы видите развитие вашего творчества в будущем? Есть ли направления, которые вы хотели бы исследовать или темы, к которым планируете обратиться?
— Музыка — всегда мечтал соединить живопись с музыкой. Давно хотел заняться оформительской деятельностью. Муралы, обложки, дизайн и прочее всегда привлекали меня своим взаимодействием с широкой публикой. Надеюсь, когда-нибудь начнут снимать документальное кино о современных художниках, куда и меня позовут сниматься.
— Какие современные тенденции в искусстве вас вдохновляют или, напротив, вызывают скептицизм? Как, по вашему мнению, художнику удается сохранить уникальный голос в условиях массовой культуры и медиа?
— Конкретно по тенденциями мне нравится, что искусство немного отошло от политики и других острых социальных вопросов, больше сосредоточилось на личных переживаниях и проблемах, которые, скорее всего, есть почти у каждого… В сфере стало спокойнее, как на приеме у психолога, наверное, после которого ты идешь на встречу со старыми друзьями. Потому что стало больше старой доброй качественной живописи с видной школой у молодых художников, весь упор на колористику и продуманную технику исполнения — сложность нынче в почете. Такая тенденция меня устраивает. Не может не радовать подход к оформлению стендов на ярмарках, это уже не тот простой «витринный» метод «стена-картина», это завлекающая в себя инсталляция, требующая отдельной оценки.
Касательно уникальности сейчас — нужно принять тот факт, что ты не придумаешь что-то новое. Чтобы создать что-то свое, нужно пропускать и пропускать через себя тонны информации и визуала, закрепляя это опытом старых мастеров, накладывая современный контекст, характеризующий тебя как современника, и тогда твой голос станет перерождением одного из направлений, уже выбранного тобой же.
Читайте также:
